Exvoto

El nombre de exvoto proviene del latín ex, de o por y votum, promesa, “de promesa”, “por promesa”. Un exvoto es una ofrenda hecha a la divinidad en cumplimiento de una promesa o en agradecimiento por un favor recibido, especialmente la que se hace a Jesús, a la Virgen o a un santo que, generalmente, consiste en un objeto que se cuelga en la pared o en el techo de una iglesia.

El estudio de los exvotos primitivos indica que las divinidades tenían un carácter milagroso, a las que los devotos acudían en demanda de favores; exvotos de cera y de barro.
También existen los llamados“retablitos”, en los que se manifiestan descriptivamente el milagro de manera pictórica figurativa.Los exvotos de carácter pictórico tienen una larga tradición en México que se remonta a los últimos cinco siglos. Según los expertos esta tradición llega por medio del culto mariano traído por los frailes evangelizadores. Los testimonios escritos señalan que entre los Siglos XVI y XVIII los santuarios dedicados a la Virgen María comenzaron a recibir este tipo de ofrendas.

Ejemplo de exvoto pictórico.

Paul Cézanne

Aix-en-Provence, Francia, (1839-1906) Pintor francés. Hijo de un banquero, empezó los estudios de Derecho para complacer a su padre y más tarde decide dedicarse a la pintura. Con el apoyo materno se traslada a París en 1861 para comenzar su carrera como pintor. Asiste a la Academia Suiza para ejercitarse en el dibujo, allí conoce a Pisarro.

Tras unos primeros lienzos de concepción romántica, el tratro con Pisarro condicionó su pintura. Le ayudó a aclarar su paleta, a interesarse por el bodegón y el paisaje. Le enseñó a pintar como un impresionista.

Su presencia en la primera exposición de los impresionistas (1874) con su Olimpia moderna y La casa del ahorcado, provocó rechazos, ya que ni los miembros del grupo acababan de entender su obra.

En 1878 supera definitivamente la pintura impresionista. Para él el Impresionismo se fundaba demasiado en la sensación y en la superficialidad. Retirado en Aix-en-Provence empieza a plantearse un modo de pintar que responda a la esencia de la realidad, a la esencia propia de los objetos, pero a través de su propia experiencia. Prescinde de la emotividad y del sentimiento para reflexionar sobre el lenguaje pictórico, meditando sobre las relaciones entre la forma y el color.

Cézanne busca en la naturaleza las formas esenciales, que para él son las figuras geométricas, el prisma, la esfera, la pirámide y en consecuencia, plasma lo que contempla. Así, al representar un objeto, no lo hace de un lado solamente, sino que lo muestra desde posiciones diferentes. Realizó algunos paisajes y antes de trasladar al lienzo el motivo, se sentaba ante él y lo estudiaba cuidadosamente.

Olimpia moderna (1874), por Paul Cézanne.

La casa del ahorcado (1874), por Paul Cézanne.

Naturaleza muerta con manzanas y naranjas (1895-1900), por Paul Cézanne.

James McNeill Whistler

James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). Artista gráfico estadounidense.

Nació el 14 de julio de 1834 en Lowell, Massachusetts.

En el año 1855 se traslada a París, donde fue alumno del pintor suizo Charles Gabriel Gleyre. Consigue fama como grabador y en 1858 aparece su primera serie Doce aguafuertes del natural. Poco después viaja a Londres, donde sus obras, que fueron rechazadas en muchas ocasiones en las galerías de arte parisienses, encontraron buena acogida.

  

 Al piano se expuso en la Royal Academy en 1860, en 1863, La muchacha blanca, causó gran sensación en el Salón de los Rechazados (Refusés) de París. Tres de sus mejores retratos los pintó en torno a 1872: Composición en negro y gris nº 1: retrato de la madre del artista, Composición en gris y negro nº 1: retrato de Thomas Carlyle y Armonía en gris y verde: retrato de Cicely Alexander.

James McNeill Whistler falleció el 17 de julio de 1903 en Londres. 

Al piano, por James McNeill Whistler.

La muchacha blanca (National Gallery, de la ciudad de Washington), por James McNeill Whistler.

Composición en negro y gris nº 1: retrato de la madre del artista (Museo d'Orsay, París), por James McNeill Whistler.

Arreglo en Negro No 5: Lady Meux, 194,2 x 120,2 cm, por James McNeill Whistler.

William Turner

Joseph Mallord William Turner (1775-1851), Pintor inglés de estilo romántico.

Nació el 23 de abril de 1775 en Londres. Ingresó a los 14 años en la Royal Academy de Londres, donde expuso por primera vez a la edad de 15 años. En el año 1799 pasó a ser socio de la Royal Academy y en 1782 se convirtió en miembro. Realizó numerosos viajes por Inglaterra, Escocia, Suiza, Francia e Italia donde produjo sobre todo acuarelas de paisajes.

El pintor británico practicó una técnica con factura muy visible, donde la pintura es muy espesa y se ven mucho los colores directamente aplicados sobre la tela, empastados con relieve, con la intención de hacer visible la pintura con su materialidad, su peso, su consistencia y su textura.

En sus primeros trabajos representó escenas mitológicas e históricas con efectos atmosféricos que diluyen la luz y el calor y usó la acuarela para inducir cromáticamente sus temas de manera rápida como se observa en Puesta de sol sobre un lago y Sunrise (salida del sol).

William Turner falleció el 19 de diciembre de 1851 en su casa de Chelsea. 

Puesta de sol sobre un lago(1840), por William Turner.

Sunrise, with a Boat between Headlands (1835), por William Turner.

Ulises se burla de Polifemo - Odisea de Homero (1829), Londres, National Gallery por William Turner. 

Mary Cassatt

Pintora estadounidense. Nació el día 22 de mayo de 1845 en la ciudad de Allegheny, Estados Unidos, en el seno de una familia acomodada, su padre era banquero. 

Cursó estudios en la Academy of Fine Arts de Pennsylvania (1861-1865). Entre 1866 y 1874 estudió y pintó por Italia, Holanda y España, finalmente se instala en París, donde residió hasta la fecha de su fallecimiento. 

Admiradora desde su infancia de Velázquez y Rembrandt, recibió influencias en su estilo del arte japonés. 

Conoció a Degas, quien la recomendó integrarse en el grupo impresionista. Desde el año 1910, su vista va empeorando hasta poner fin a su trabajo. Es reconocida por sus luminosos retratos de mujeres y niños como The Morning Toilet y Mother Feeding a Child. Recibió la Legión de Honor francesa. 

Mary Cassatt falleció en Château de Beaufresne, cerca de París, el 14 de junio de 1926.

Mother Feeding a Child (1898), Pastel sobre papel vitela, montado sobre lienzo;
25 1/2 x 32 pulg. (64,8 x 81,3 cm), por Mary Cassatt.

The Morning Toilet (1886), por Mary Cassatt.

Édouard Manet

Pintor y grabador francés, (París, 1832-1883).

Inició sus estudios artísticos en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.

Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras.

En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.

Almuerzo sobre la hierba, de Manet.

Manet mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel.

En 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna izquierda y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo.

Bar del Folies-Bergère, por Édouard Manet.

Claude Monet

Claude Oscar Monet, (París, 1840- Giverny, 1926).

Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista.

Mujeres en el jardín (1866, Museo de Orsay, París), obra rechazada en el Salón de 1867, en la que tres mujeres se divierten en el campo bajo un sol tan intenso que sus vestidos alcanzan el blanco en estado de gran pureza, con escasas modulaciones intermedias y marcadas escisiones entre las zonas de luz y sombra. La instantaneidad de la escena se pone de manifiesto tanto por la precisión luminosa del momento como por el dinamismo de las figuras, correteando y girando caprichosamente alrededor de un árbol. Con esta ambiciosa obra, Monet se aleja del tratamiento tradicional que hasta entonces se dio al retrato -el retrato de su primera mujer, Camile, había sido ensalzado por Zola en el Salón de 1866- y se inclina por la integración de las figuras en la naturaleza.

Monet tenia la capacidad para captar objetiva e inmediatamente la realidad. Sin embargo, su proceso creativo iba más allá de la observación directa de la naturaleza, y empleaba la memoria visual como recurso imprescindible para el acabado de sus composiciones. Las imágenes que se forman en la memoria son percepciones, igual que las determinadas por la visualización de las cosas, y entre ambas puede surgir, como ocurrió en la pintura de Monet, una nueva concepción de la imagen pictórica de la realidad.

Mujeres en el jardín (1866), de Claude Monet.

Kiosco Morisco

Kiosco Morisco, Alameda de Santa María La Ribera.

En el siglo XIX el Kiosco Morisco fue diseñado por el Ing. José Ramón Ibarrola para ser el Pabellón de México en la Exposición Universal de 1884-1885 y de la Feria de San Luis Missouri en 1902. La estructura de este kiosco está realizada completamente en hierro.

En el siglo XX la estructura fue instalada en el costado sur de la Alameda Central. Desde la época del presidente Porfirio Díaz el Kiosco Morisco fue trasladado a su ubicación actual, el centro de la Alameda de Santa María La Ribera, en el cruce de la calle Dr. Atl y Salvador Díaz Mirón.

Ahora es el centro de reunión de la comunidad y orgullo de esa colonia que ha alimentado un gran número de mitos alrededor de esta construcción, mismos que van desde la afirmación de que el kiosco fue donado por un jeque árabe hasta la asociación del kiosco con aspectos astrológicos y mágicos debido a su planta octagonal y el gran número de decoraciones geométricas que tiene.

El Kiosco destaca por ser una construcción única en su tipo en la ciudad. En él se realizan varias actividades que van desde conciertos de orquestas de cámara, bandas populares hasta reuniones vecinales o bailes de salón, que dan a este lugar, una gran vitalidad, misma que ha conservado desde hace ya más de 100 años.  

Cúpula del Kiosco Morisco, vista interior.

Museo del Chopo

Vista de frente, Museo Universitario del Chopo

En 1902 el Museo Universitario del Chopo fue construido por la empresa metalúrgica Guttehoffnungshütte para su presentación en la Exposición de Instalación y Arte Industrial de Düsseldorf, Alemania. Ese mismo año, el empresario mexicano José Landero y Cos, decidió comprar dicho pabellón para crear una sala de exposición de productos industriales. 

Para ello se trasladaron las piezas de acero del edificio por barco hasta la ciudad de Veracruz, desde donde fueron transportadas por ferrocarril a un terreno que el empresario poseía en la entonces naciente zona de Santa María La Ribera, en las inmediaciones de la terminal de trenes de Buenavista.

 

El proceso de montaje del edificio se realizó entre 1903 y 1905, estando a cargo del proyecto el arquitecto Hugo Dorner y los ingenieros Luis Bacmeister y Aurelio Ruelas. En ese entonces era conocido como el Palacio de Cristal.

En 1913 este edificio fue convertido en el Museo de Historia Natural, mismo que albergó durante varias décadas hasta que en 1963 la sede de este museo fue trasladada a su ubicación actual en la segunda sección del Bosque de Chapultepec.

El 25 de noviembre de 1975, tras una serie de trabajos de ampliación y adecuación, fue inaugurado por la Universidad Nacional Autónoma de México la cual rescató la construcción cuando, en 1973, el edificio entró en un periodo de decadencia tal, que se llegó a pensar incluso en su desmantelamiento y venta como chatarra.

Actualmente el museo además de la riqueza arquitectónica que conserva, también se caracteriza por el gran número de actividades que en él se realizan, privilegiando las manifestaciones populares de la cultura urbana con exposiciones, talleres y presentaciones que han convertido a este espacio en un auténtico foro de expresión de tendencias de vanguardia en la ciudad.

Filippo Brunelleschi

Filippo Brunelleschi

(Florencia, 1377-1445) Arquitecto y escultor italiano. Fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y orfebre e inició su carrera en el ámbito de la escultura.

Sus profundos conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino, además de llevarle al descubrimiento de la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento.

Catedral de Florencia.

Art Nouveau

Art Nouveau significa Nuevo Arte, transcurre el año de 1890 en Francia. El progreso en esta época es el hierro, buscando lo orgánico a pesar de la estructura metálica.

Art Nouveau "la arquitectura de hierro", Torre Eiffel, Paris.

Adjunta lo ambiental y arquitectónico, desde paredes, pasando por muebles hasta llegar a joyas y vajillas.

Ingenieros y arquitectos hacen mas notable el uso de estructuras ligeras sin embargo con un doble sentido de uso, al darles formas relacionadas con elementos de la naturaleza.

Los motivos más frecuentes eran flores, hojas, nubes, conchas, humo, mariposas, todo aquello relacionado a la naturaleza.

Ursulinas Wintergarden Onze-Lieve-Vrouw-Waver, Flandes (art nouveau, 1900), 

cúpula con vista de la cara por la mañana.

Es así como la corriente Art Nouveau, persigue ante todo la decoración, dejando la estructura por debajo de la apariencia, con la utilización de contrastes, la multiplicación de los ornamentos, la volumetría en los elementos del diseño y la variedad de colores.

Al mismo tiempo se desarrolla un especial gusto y pasión por las formas esféricas como solución al rompimiento de lo lineal, así es como las formas parabólicas, hipérbolas y las elipses, son usadas en diseños y construcciones representativas del Art Noveau.

El palacio de Bellas Artes, diseñado por el arquitecto Adamo Boari, está coronado por la curvatura —característica del art nouveau, de la triple cúpula—, que se sitúa entre el vestíbulo y la sala. 

Esta corriente expresaba juventud, fragilidad y movimiento. Aparte de ser un avance en la arquitectura también lo fue en muchas otras áreas, desde interiores, poesía, pintura, ilustraciones y diseños. Fue no solo una nueva corriente si no todo un cambio de mentalidad.

La naturaleza es reina en el Art Nouveau.

ARTISTAS IMPORTANTES

Alfons Mucha

Alfons Mucha (1860-1939) fue el máximo exponente del Art Nouveau.  Por un tiempo, el movimiento fue conocido por el nombre Mucha Style. Los carteles litográficos que el artista checo realiza para la actriz francesa Sarah Bernhardt son su salto a la fama. El estilo, altamente copiado, de Alfons Mucha exalta a las mujeres quienes a menudo aparecen en su trabajo rodeadas por profusas flores y formas orgánicas.

A Fame por Alfons Mucha.

Louis-Comfort Tiffany

Louis-Comfort (1848-1933), artista estadounidense, mejor conocido por su trabajo en vitral, fue el mayor representante del movimiento Art Nouveau en Norteamérica. Su trabajo se extendió a joyería, lámparas, cerámica, muebles, textiles y otros trabajos en metal. Fue responsable por un nuevo método de fabricación de vidrio y por llevar el Art Nouveau a los hogares estadounidenses. Sus vitrales, donde se destacan la delicadez de la forma y la paleta de colores suaves, siguen siendo celebrados hoy en día.

Arkiplus por Louis Comfort Tiffany.

Gustav Klimt

Gustav Klimt (1862-1918), gran simbolista austriaco, realizaba obras altamente ornamentadas que también realzan la mujer. Plasmado en su propio universo erótico, el desnudo femenino es alabado. La sensualidad de Klimt se expresa por las formas fluidas, etéreas, sexuales que ornamentan los fondos.  El exotismo se mezcla con el erotismo y las mujeres de Gustav Klimt se transforman en diosas lánguidas.

Cuadro de El Beso por Gustav Klimt.

Hector Guimard

Hector Guimard (1867-1942), arquitecto francés, es responsable por la incursión del Art Nouveau en la arquitectura. Con Guimard, las entradas de Metro de Paris se transforman en verdaderas obras de arte, curvilíneas y onduladas, donde Harmonía y Continuidad son ennoblecidas.

Estaciones del Metro de París.

Lewis Hine

Lewis Wickes Hine

(Oshkosh, Wisconsin, 1874 - Dobbs Ferry, Nueva York, 1940) Fotógrafo estadounidense. Estudiante de sociología en Chicago y en Nueva York, centró su actividad en la fotografía documental, por medio de la cual describió las condiciones laborales de las clases obreras, en especial de los niños y de los inmigrantes.

Mientras Thomas Eakins mostraba en sus retratos que no habia rasismo, hine encuentra lo contrario.

La fotografía empezaba a mostrar así la vida de los miserables, las duras condiciones del trabajo en las fábricas, la explotación y la marginación.

  Trabajadores en el Empire State Building (1930).

John George Brown

John George Brown
(1831-1913) Nació en Bensham, Inglaterra.
Fue el pintor más célebre de escenas de género de América a finales del siglo XIX. Sus representaciones realistas de los niños y de la vida al aire libre eran ampliamente conocidos y muy populares, especialmente sus retratos de los niños de la calle de la ciudad de Nueva York. 

Brown desarrolló su carrera artística en Edimburgo en la Academia de Dibujo, donde asistió a clases de pintura con Robert Scott Lauder. 

El artista se trasladó a Estados Unidos en 1853 y se instaló en Brooklyn dos años más tarde. Brown comenzó a exponer en la National Academy of Design en Nueva York en 1858 y se convirtió en un académico en 1863.
Brown trató de expresar "la verdad contemporánea, que será de interés para la posteridad", y por la década de 1880 había vuelto a la prestación de un nuevo sujeto, los jóvenes vendedores de periódicos y lustrabotas cuya presencia en la población urbana de América se había vuelto marcada. 

A lo largo de su carrera, Brown pasó los veranos en las zonas rurales de Nueva York y Vermont, donde pintó los agricultores locales y sus familias.

Give him a light, pintura al óleo por John George Brown.

Thomas Eakins

Thomas Eakins

(Filadelfia, 1844 - 1916) Pintor norteamericano. Estudió dibujo en la Academia de Bellas Artes de Filadelfia desde 1861 hasta 1866, al tiempo que realizaba estudios de anatomía en la Escuela de Medicina. En 1866 se trasladó a París, donde residió durante tres años asistiendo a clases en la Escuela de Bellas Artes.

Como fotógrafo utilizó este medio como una forma más de arte y como auxiliar de la pintura.

Retomando la red al oleo por Thomas Eakins.

Fotografía de movimiento

Edward James Muggeridge (1830-1904) Fotógrafo inglés. 
Es mundialmente famoso y reconocido por sus trabajos en el estudio del movimiento humano y animal. Antes de eso trabajó como editor y como librero.

Sus primeras imágenes fueron tomadas entre 1861 y 1866. En estos años fue cuando decidió tomarse la fotografía en serio, tras aprender la técnica del colodión húmedo. 

Entre 1870 y 1914 la investigación fotográfica viró, fundamentalmente, hacia el registro del movimiento. Se trataba de reducir al máximo el tiempo de exposición a fin de aproximarse a la instantánea, susceptible de revelar la estructura de un cuerpo en movimiento. En este sentido, las primeras respuestas las aportaría Muybridge, quien estaba intentando probar con ayuda de la instantánea que, en un determinado momento del trote del caballo, sus cuatro patas estaban al mismo tiempo en el aire, aspecto que contradecía años de representación pictórica.

Tomó sus primeras fotografías en 1872, pero no fue hasta 1877, tras conseguir apoyo financiero del gobernador de California Leland Stanford, cuando consiguió un juego completo de fotografías satisfactorias. 

El caballo en movimiento (1878).

Amasa Leland Stanford nació el 9 de marzo 1824 en Watervliet, Nueva York. Abogado y político estadounidense. Construyó un negocio de venta al por menor éxito en los suministros mineros y se convirtió en activo en la política local. Sirvió como gobernador de California (1861-1863). Invirtió en la construcción de la Central Pacific Railroad y se convirtió en presidente. 
Entre 1885 y 1893 se desempeñó en el Senado. En 1885 fundó la Universidad de Stanford.